Œuvres dans l’espace public

Né en 1938 à Boulogne-Billancourt, France
Vit et travaille in situ

En 1965, Daniel Buren met au point son « outil visuel » : des bandes verticales alternées blanches et colorées de 8,7 cm de largeur, répétant ses rayures à l’infini et sur tous les supports. Le choix d’un motif fabriqué industriellement répond à son désir d’objectivité. En 1966, Daniel Buren s’associe avec les peintres Olivier Mosset, Michel Parmentier et Niele Toroni, avec lesquels il organise des manifestations très controversées, créant le groupe BMPT. Ce qui lie « BMPT » est la pratique commune de la répétition systématique d’un même motif, ainsi que la volonté de s’opposer radicalement à la scène artistique parisienne, très académique. Ce travail est l’occasion d’examiner non plus seulement les limites physiques de la peinture, mais également les frontières politiques et sociales du monde de l’art.
Se posant toujours en théoricien de son propre travail, Daniel Buren accompagne toutes ses installations d’un descriptif, de notes explicatives : de l’emploi dans les premières toiles d’un tissu industriel constitué de bandes égales et verticales blanches, à l’utilisation de ce tissu comme lieu de l’inscription de la peinture, à la peinture comme non-lieu. L’artiste met très vite au point le concept de travail in situ, c’est-à-dire d’une intervention artistique intrinsèquement liée au lieu dans lequel le travail est programmé et réalisé. Daniel Buren procède toujours à une analyse du lieu en révélant ces particularités les plus significatives et les moins visibles. Il parle lui-même « d’instrument pour voir », car paradoxalement, en se limitant à un motif unique, il parvient à un élargissement du champ visuel du spectateur. L’œuvre révèle le lieu et ce lieu même la rend intransportable et donc éphémère.

Au Mrac, Daniel Buren présente un dispositif in situ qui entretient un dialogue avec l’architecture des lieux. En effet, il intervient sur la totalité des parois vitrées du musée. L’artiste tire parti de la transparence et propose un jeu de couleurs et de formes, mis en mouvement dans l’espace par la lumière naturelle. A chaque heure du jour, le public découvrira une nouvelle installation. Cette œuvre donne à voir une véritable mise en abyme de l’espace par l’explosion de la couleur. L’impression d’éclatement de l’oeuvre, accentuée par les projections sur les murs et le sol, incite le spectateur à un déplacement non plus seulement du regard mais du corps tout entier.
D’autres œuvres de Daniel Buren sont présentes dans les collections du Mrac dont La Cabane éclatée aux caissons lumineux colorés, pièce majeure de l’artiste ainsi que la série de dessins préparatoires à Rayonnant, commande publique pour les pourtours de la Cigalière réalisée en collaboration avec l’architecte Nicolas Guillot.

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Né en 1970 à Montpellier
Vit et travaille à Douarnenez

Son travail puise abondamment dans toutes les formes de cultures et s’enrichit de la prolifération des références. En mixant ces diverses influences, Bruno Peinado invente de nouveaux liens entre l’art et la vie quotidienne. L’artiste n’a de cesse de s’emparer de nos icônes contemporaines, de revisiter les produits culturels, de l’iMac qu’il réalise en céramique jusqu’au bonhomme Michelin qu’il créolise. Il s’inspire tout autant des créations modernistes des époux Eames que des pochettes de disques de groupe punk ou reggae pour dessiner, sculpter, installer ; investissant tous les champs, faisant éclater les conventions comme les hiérarchies de genre.

L’invitation faite à Bruno Peinado d’intervenir sur la façade du Mrac est directement liée au projet de l’extension, située dans le bâtiment adjacent au musée existant, au premier étage de la Poste qui reste en fonctionnement.
Le projet pour la façade consiste en deux gestes forts :

• Le premier geste lie symboliquement les deux bâtiments, l’ancien et l’extension, en empruntant la
  couleur grise des plaques de granit du musée existant pour l’appliquer sur la totalité du bâtiment de
  l’extension. La couleur grise est une récurrence dans le vocabulaire plastique de l’artiste, la couleur
  du métissage. Ici, elle a également pour fonction d’apaiser visuellement des façades très chargées et
  d’accueillir les « enseignes-tableaux » du projet.
• Le second geste permet de faire dialoguer la forte présence d’enseignes publicitaires et de signalétiques, notamment sur le bâtiment qui abrite la Poste mais plus largement dans le sud, avec un
  imaginaire lié à l’art abstrait et aux avant-gardes artistiques que la collection du musée convoque.
  L’intervention de Peinado consiste à apposer sur les fenêtres obstruées une série de panneaux et d’enseignes libérées de tout contenu publicitaire et ramenées à leur proximité visuelle avec des tableaux abstraits.

L’œuvre de Bruno Peinado, une série d’enseignes-tableaux colorées réalisées à partir de techniques et de matériaux de la signalétique (panneaux luminescents, caissons lumineux rétroéclairés, panneaux trivision etc..), tisse un lien avec l’histoire de l’art en général et celle de la collection du Mrac en particulier. Parmi les enseignes de la façade, le public peut interpréter les clins d’œil de l’artiste au design de la boîte nuit de l’Haçienda (club mythique de Manchester qui a fondé les bases de la scène House anglaise, et qui a été le lieu de rencontre de musiciens, plasticiens et graphistes, nourris et influencés par la modernité), au célèbre tableau de Matisse, Porte-fenêtre à Collioure, au Pop Art, ou encore aux monochromes d’Olivier Mosset. Toutes ces enseignes-tableaux ont en commun de revisiter la question de la couleur sur un support, des couleurs pastel, mineures, qui évoquent un soir d’orage sur le grand sud.

Découvrir les œuvres de l’artiste dans la collection du Mrac

Retrouvez les expositions et éditions de Bruno Peinado au Mrac